O quarteto Farmer Sea surgiu em Turin, na Itália, há 8 anos, e após alguns EPs, singles e um disco cheio (Low fidelity in relationships, de 2009), lançaram neste começo de ano (09 de janeiro) seu segundo álbum, chamado A safe place.

Todo gravado e produzido pela própria banda, o álbum saiu de forma independente pelo selo dos caras,
o Dead End Street Records.

Musicalmente, desde os primeiros acordes A safe place me trouxe à cabeça o Teenage Fanclub. Aquela cadência lenta baseada em guitarras entre a distorção e o semi-acústico, com vocais emotivos mas também preguiçosos.

E segundo o release oficial, neste novo trabalho o Farmer Sea buscou dar vazão a seu lado mais sombrio e às influências de bandas clássicas do rock alternativo, como R.E.M, Wilco e Arcade Fire, utilizando pianos e violões.

Ponto pra eles, já que as canções realmente emulam – além do Teenage Fanclub – um pouco de cada uma dessa bandas, seja num clima mais acinzentado e melancólico (à Arcade Fire) ou intimista (à Wilco).

De qualquer formal, A safe place é um álbum de canções simples e belas, de uma banda que parece chegar agora ao amadurecimento.

E como em todo processo de amadurecimento, há uma angústia sempre presente, o que no caso do Farmer Sea – e de tantos outros grupos – colabora e muito para a criação de um bom trabalho.

Recomendo.

P.S: Vale conferir outras duas bandas interessantes vidas da Itália, o A Classic Education e o Soviet Soviet.

O Big Sleep surgiu exatamente na primeira metade da primeira década dos anos 2000, formado por Sonya Balchandani (baixo e voz), Danny Barria (guitarra e voz) e Gabe Rhodes (bateria), no Brooklyn, em NY.

Influenciados igualmente por diferentes sub-gêneros do rock alternativo noventista (shoegaze, pós-rock) e experimentando essas referências na hora de criar, a banda vem lançando alguns bons trabalhos e chega agora a seu novo álbum cheio, Nature experiments, lançado em 31 de janeiro pela Frenchkiss.

Agora como uma dupla (Danny e Sonya), o Big Sleep segue na trilha do rock de várias faces por onde sempre andou, com boas faixas que mesmo tendo um pé no pós-rock não caem nas longas viagens que por vezes são características do gênero.

Há sim muitos riffs certeiros e uma energia que juntos dão a dinâmica do álbum. Em alguns momentos mais cru, visceral e garageiro, em outros mais elaborado, cerebral e complexo, mas sempre intenso, Nature experiments é um disco de rock honesto e direto, com momentos realmente muito bons.

Por aqui, as faixas que mais agradaram são as que trazem Sonya Balchandani nos vocais, como pesada “Ace” (e seu ótimo riff abafado na introdução), a sonhadora “Ghosts in bodies” ou a ‘dançável’ “Red carpet”; mas o álbum funciona muito bem como um todo.

Ok, o novo disco do Big Sleep não trouxe ao mundo nada exatamente novo. Mas sinceramente, quem se importa?
Nature experiments é ótimo álbum de rock, e ponto final.

Recomendo!

Florian Schneider e Ralf Hütter começaram o Kraftwerk em meados dos anos 70, das cinzas de seu primeiro projeto, o Organisation.

Experimentando com as possibilidades musicais futurísticas da eletrônica em seu estúdio, o mí(s)tico Kling Klang, a dupla lançou seu primeiro álbum Kraftwerk 1 ainda em 1971, época em que Schneider começava a criar algo próximo ao que viriam ser os sequenciadores.

Daí em diante lançaram mais 5 discos até chegarem àquele que é a bola da vez aqui no PCP.

Trans-Europe express, lançado em 1977, é uma das maiores expressões da música eletrônica – se não a maior – em todos os tempos.

Tão minimalista quanto os primeiros trabalhos do Kraftwerk, tão hipnótico quanto Autobahn (74) e tão experimental e robótico quanto seu antecessor (Radio-activity, de 75), este é um dos pilares da música das máquinas como a ouvimos e dançamos hoje.

A química entre o ritmo mecânico, minimalista, as linhas melódicas repetitivas e quase emocionais geradas pelos sintetizadores e os vocais robotizados (e em inglês, iniciados em Radio-activity) tornam este o primeiro trabalho realmente ‘acessível’ do Kraftwerk.

Talvez por esse maior alcance, a influência de Trans-Europe express seja tão abrangente, abraçando desde a new wave/pós-punk ao synth pop/new romantic, do electro (“Planet rock”, do Afrika Bambaataa, foi feita sobre um sample da música “Trans-Europe express”) aos Chemical Brothers e toda a gama de produtores de eletrônica para pistas.

Quem já assistiu o Kraftwerk ao vivo sabe que nada se compara à experiência audiovisual gerada pelos alemães. Eu tive essa oportunidade de vê-los no Tim Festival de 2004, e por mais que tivesse expectativas, definitivamente não estava preparado para aquilo (quem estiver em Nova Iorque entre 10 e 17 de abril DEVE ir ao MoMA).

E se em pleno século XXI a experiência foi, digamos, intensa, imagine nos anos 70, com LSD sem anfetaminas…

Essencial!

Jeremy Cox e Jigmae Baer começaram o Royal Baths – ou só Baths, no início, até descobrirem que alguém já usava esse nome – no lado negro da ensolarada Frisco, em algum momento de 2008.

Os caras são mais um exemplo vivo da influência sombria do Velvet Underground, com aquela vibe – meio assustadora, freak e ao mesmo tempo catártica e chapada – característica de Lou Reed e cia.

Agora junte a isso o fuzz do garage rock, algo da psicodelia (também garageira e não colorida) de gente como o Oh Sees e estilhaços do pós-punk, e você tem mais ou menos o que é Better luck next life, segundo e mais recente álbum da banda, agora residente em Nova Iorque.

“Faster harder”, primeiro vídeo do disco

Ok, talvez eles estejam menos garageiros e até mais ‘ousados’ musicalmente; talvez experimentando mais os sabores do Spacemen 3; talvez mais blueseiros; talvez mais góticos; talvez menos lo-fi; talvez…não seja nada disso, ou tudo isso mesmo.

Ao meu ver, Better luck next life – que saiu em 07 de fevereiro via Kanine Records – é um passo adiante na musicalidade do Royal Baths, natural até. A dupla mudou de cidade, de cozinha (agora com Eva Hannan no baixo e Eden Birch na bateria), e uma mudança de ares sempre reflete naquilo que fazemos.

Presentinho da Kanine

E neste caso, como dito acima, o que aconteceu com Jeremy Cox e Jigmae Baer não pode ser chamado de mudança, e sim de evolução. Não no sentido de melhor ou pior, mas no sentido de se mover, de não ficar estático.

No mais, cada uma das 9 faixas deste disco mantém a densidade e o feeling de garagem mal iluminada e enfumaçada de onde veio o Royal Baths. Seja em São Francisco ou em Nova Iorque.

Recomendado para se ouvir alto!

Power, corruption & lies, lançado pela Qwest em 1983, é oficialmente o segundo disco do New Order. Oficialmente porque na verdade pode e deve ser considerado o debute da banda de Manchester, já que Movement, oficialmente o primeiro, é praticamente um álbum do Joy Division sem Ian Curtis.
Aqui sim o New Order começava a trilhar seu próprio caminho, e faixas como “The beach” e “Blue monday” – talvez seu maior clássico – deixam claro que esta seria uma trilha em direção ao futuro.

Discussões à parte, a Mojo Mag volta às nossas páginas com outra compilação de sua série “Covered”. Após Leonard Cohen, a bola da vez hoje é o este marco do New Order. Então sem mais delongas vamos a Power, corruption & lies covered.

Preview do disco

Nesta empreitada a Mojo compilou diversos nomes da música eletrônica moderna, alguns voltados às vertentes mais sombrias e gélidas, na linha do coldwave e afins; outros ligados à ambient music; com a cabeça nas pistas; que flertam com o rock, etc.

Em comum, além da grande influência e de um provável amor pelo New Order, todos os escolhidos tem uma forte pegada oitentista.

Em alguns casos essa verve é um tanto exagerada, afinal estamos em 2012, não em 1985. Mas no geral as versões são boas, oscilando entre faixas tranquilas e dançantes.

O electro dá o tom no álbum, ora minimalista, sintético e seco, ora mais orgânico e recheado com guitarras. Igual ao New Order.
Assim como em Songs of Leonard Cohen covered, as bandas escolhidas bebem muito da fonte original e, mesmo acrescentando seu toque às músicas originais, na maioiria dos casos não as descontroem (há exceções, claro).

A grande surpresa por aqui foi o ótimo produtor norueguês Biosphere, que saiu de sua atmosférica e etérea zona de conforto para se expor de forma dançante com a cover de “Blue monday”.

E mesmo preferindo a versão original de Power, corruption & lies, esta compilação da Mojo mais uma vez não decepciona.

O dinamarquês Kenneth Werner é o nome por trás da alcunha As If, que durante trips noturnas em sua terra natal (Bornholm, uma ilha no mar báltico) criou este que é – aparentemente – seu primeiro álbum, chamado (obviamente) At night.

Não há muitas informações disponíveis (em inglês) sobre o cara. Ele selecionou as sete faixas que compõem At night junto ao selo que o lançou (com apenas 155 cópias), o U-Cover.

No álbum há elementos que foram gravados diretamente da fauna e flora locais. Junto a essa vibe eco-cibernética, Werner adicionou camadas de sintetizadores, graves pesados e densos, beats minimalistas e desacelerados, ecos e diversas flutuações eletrônicas.

O resultado é um disco de ambient/dub eletrônico viajante do começo ao fim, sem tempo para estresse ou irritação. O clima aqui é de relaxamento total, de imersão num mundo de sonhos e letargia psicodélica.

Este transe chamado At night saiu agora no começo de 2012, e está disponível para download no site da U-Cover.

Recomendado para acompanhar aquele spliff no final de um dia cheio!

A revista Mojo volta e meia faz umas compilações estranhas e bacanas relacionadas a algum álbum clássico ou que de alguma forma importante para os caminhos da música.

No PCP a gente ouviu no ano passado The roots of Nirvana, mas existem pencas desses álbuns da Mojo Mag por aí – valeu uma sapeada no site da revista.

Hoje outra dessas coletâneas é a bola da vez por aqui. Senhoras e senhores, com vocês The songs of Leonard Cohen covered.

Preview das 15 faixas do disco

Não é a primeira vez que Songs of leonard Cohen – debute do mestre folk Leonard Cohen – recebe uma homenagem. Alguns anos atrás o mutante Beck e seu Record Club também reconstruíram este álbum.

Devo confessar que conheço poucos dos nomes presentes no set de artistas do disco. Com exceção do Diagrams (que fez a releitura ‘folktrônica’ de “Famous blue raincoat”), de Bill Callahan (aka Smog, que regravou aqui “So long Marianne”), do maluco de estrada Cass McCombs (responsável por “Teachers”) e do Paper Dollhouse (que desconstruiu “Last year’s man”), não reconheço outros nomes.

De qualquer forma, com poucas exceções, Songs of Leonard Cohen covered segue a trilha folk do original, explorando (bem) a simbiose entre homem, violão e palavras – ainda que sem a voz de Cohen.

Outra bela compilação da Mojo. Recomendo!

PS: Se você não conhece o disco original, corra atrás.

O guarujaense Caio Bosco é velho conhecido do PCP. Desde 2009, quando lançou o primeiro (e ótimo) EP Diamante, ele conversou com a gente numa entrevista e vem mantendo contato e nos atualizando sobre o processo de criação do esperado disco cheio – que sai no primeiro semestre deste ano.

O EP Diamante

Recentemente, Caio disponibilizou na rede o primeiro pedaço desta nova empreitada solo (ele já foi MC dos hippie hoppers Radiola Santa Rosa), chamado “Feira do rolo”.

A faixa foi composta e produzida pelo próprio Caio, e teve a mãozinha na co-produção de Alexandre Basa – que também toca um piano elétrico Fender Rhodes – e Jim Waters (que já trabalhou com Jon Spencer Blues Explosion, Sonic Youth, etc).

“Feira do rolo”

Waters também foi responsável pela mixagem da faixa e do álbum, feita em sistema analógico no Waterworks Recording, no Arizona.
Já masterização – também do single e do disco – ficou à cargo de Fred Kevorkian (White Stripes, Iggy Pop) e foi realizada no Avatar Studios, em Nova Iorque.

Com esse background de peso, Caio expandiu o caminho iniciado em Diamante, dando-lhe mais elementos. Sua voz continua cheia de alma, e o ótimo trabalho instrumental – Emerson Tripah e o já citado Alexandre Basa estão entre os músicos presentes – feito em “Feira do rolo” a torna uma faixa híbrida, brisada, relaxante, cheia de groove.

As nuances são menos eletrônicas que as de Diamante, mas mais ricas em elementos, deixando a canção encorpada e plena, com uma pegada entre soul/funk e rock. Me lembrou algumas coisas do grande Tommy Guerrero – com a diferença de que aqui há os vocais inspirados de Caio.

Agora é esperar pelo álbum completo.

Recomendado!

A mixtape da semana no PCP dá continuidade a uma outra postada aqui no ano passado.

Indie Rock Vol. 2 pega o gancho dos Clássicos do Indie, mas desta vez sem ordem cronológica (por falta de tempo, memória e paciência).

Mais uma vez separamos 13 faixas em nossos arquivos, e preparamos um podcast especialíssimo para vocês leitores.

Então é isso. Entre bandas ‘mais novas’ e outras ‘clássicas’, abaixo vai o setlist e na sequência os links para baixar e ouvir a mixtape.

Enjoy it!

01- Pulp – Babies

02 – Interpol – Slow Hands

03 – Clinic – Walkin With Thee

04 – Buffalo Tom – Summer

05 – Black Rebel Motorcycle Club – We’re All in Love

06 – Arcade Fire – Rebellion (Lies)

07 – Strokes – The Modern Age

08 – Raveonettes – Attack of The Ghost Rider

09 – Teenage Fanclub – Sparky’s Dream

10 – Radiohead – The national Anthem

11 – American Musiac Club – All Your Jeans Were Too Tight

12 – Wilco – Kamera

13 – Suede – Anila Nitrate

Baixe aqui o Podcast Indie Rock Vol. 2

Ou

Ouça no Mixcloud

A banda baiana Vivendo do Ócio surgiu em Salvador na metade dos anos 2000, formada pelos amigos Jajá Cardoso, Luca Bori e seu irmão Davide mais o baterista Mamede (substituído por Dieguito Reis).

Após um CD demo liberado na internet (Teorias de amor moderno, de 2008) e da estreia ‘oficial’ em 2009 com Nem sempre tão normal, o quarteto chega neste começo de ano a seu segundo álbum, O pensamento é um imã (saiu dia 07 de fevereiro pela Deck).

“Silas”, primeiro clipe do disco

Neste novo trabalho – gravado nos estúdios Costela (SP) e Tambor (RJ) o VDO chamou para a produção Rafael Ramos (Cachorro Grande, Pitty, etc) – que produziu também Nem sempre tão normal – e Chuck Hipolitho (VJ da MTV, ex- Forgotten Boys e atual Vespas Mandarinas).
A mixagem – feita em Los Angeles – ficou à cargo de Brian ‘Big Bass’ Gardner (Foo Fighters, Queens of The Stone Age).

Contando com esse time ‘nas internas’, a banda trouxe convidados também para suas composições: Pitty e Martin (aka Agridoce) emprestam voz e guitarra em “Nostalgia”, faixa bem emblemática nos novos caminhos buscados pelo Vivendo do Ócio.

Dadi, figura mítica dos Novos Baianos participa de “O mais clichê”, música que destoa do resto do disco, com uma pegada regional e cara de rock BR pós-Raimundos.

A já citada “Nostalgia”, “Radioatividade” e especialmente “Dois mundos” são as faixas com maior potencial para hit do álbum. Esta última tem um quê de Skank e de Los Hermanos – que inclusive parece uma influência forte do VDO.

Na outra ponta da corda de referências, os Strokes aparecem como inspiração, principalmente em riffs e frases guitarra.

O pensamento é um imã gira nessa órbita entre faixas mais agressivas e outras de maior apelo radiofônico.

As letras são bem sacadas, e o conjunto da obra tem força para agradar desde os indies mais chatos (ok, os muito chatos – que só gostam de bandas obscuras de algum buraco do leste europeu – não) aos ouvintes mais descompromissados (ok, os muito descompromissados – fãs de Michel Teló – também não), e ocupa um lugar de destaque na nova safra do rock nacional justamente por trafegar entre esses dois mundos.

No canal do Vivendo do Ócio no Youtube dá para ouvir o disco na íntegra. Confira!

Uma das provas vivas de que os brasileiros deveriam esquecer definitivamente a rixa com os hermanos argentinos é o trio Capsula (o nome vem de “Space oddity”, do mestre Bowie).

Formada em Buenos Aires nos últimos suspiros dos anos 90 (1998, exatamente) por Martin Guevara (guitarra, voz), Coni Duches (baixo, voz) e Ignacio Villarejo (bateria) a banda se criou na cena indie local para depois alçar voos mais altos.

Shows no velho continente, América do Norte, nas vizinhanças sul americanas, discos lançados e mudança para o País Basco até chegarem à bola da vez aqui no PCP – seu último álbum, In the land of silver souls.

O disco, lançado na metade de 2011 pela B Core, é uma miríade de referências sonoras, juntas num coquetel de energia em estado bruto e servido numa temperatura alta, saturado por tinturas psicodélicas.

As ótimas influências declaradas (Os Mutantes (!), Sonic Youth, Velvet Underground, Stooges – além de Bowie, claro – entre outros), estão todas presentes nas 14 músicas de Silver souls.

Falando assim parece exagero, deslumbramento, ou pior, jabá, mas não é o caso. O álbum guarda em si tudo isso; seja em riffs/dissonâncias/distorções de guitarra, em linhas de baixo pulsantes marcando ao lado da bateria o frenesi rítmico, em leseiras profundas com sabor amargo de LSD, em selvagerias à Iggy Pop.

Nessa receita do Capsula, blues, garage, psicodélico, indie, noise, punk, etc são triturados e servidos crus. O produto final é saborosíssimo, não causa indigestão e dependendo da quantidade ingerida pode causar alucinações e euforia.

Recomendado (E muito para fãs de BRMC)!

PS: Para provar que os caras são mesmo fãs do Mestre, assista aos dois vídeos abaixo – e procure outros no canal da banda no Youtube.

Sufrragette city

Ziggy stardust

O quarteto finlandês Black Twig debuta em 2012, mas ouvir sua música é dar um mergulho no rock alternativo dos últimos 25, 30 anos.

Seguindo nessa linha do tempo, após um EP em 2010, a banda chega agora a Paper trees, disco lançado em 11 de janeiro pelo selo Soliti.

As 10 músicas do álbum trazem um pouco de tudo que foi feito de interessante no universo das guitar bands, desde que os irmãos Reid escreveram a bíblia noise chamada Psychocandy em 1985.

Há desde melodias suaves e vocais harmônicos a muito, muito fuzz, corrompendo e encobrindo com barulho e distorções essa (oculta) face pop da banda.

Junte a essa releitura do jangle pop pitacos de pós-punk, de garage rock, de Stooges, espasmos dissonantes e diversos momentos de repetição monocórdica à kraut rock – adicionado de muito fuzz (de novo) – e você tem a fórmula básica de Paper trees.

Uma boa e barulhenta estreia do Black Twig.

Recomendo!

As irmãs Justine (bateria, vocais) e Chelsea Brown (guitarra, vocais) são as vozes, corpos e alma da banda Summer Twins.

Fazendo música desde 2008, as meninas (mesmo!) lançaram no ano passado o EP The good things, e agora em janeiro, acompanhadas por Danny Delgado (baixo) e Marcio Rivera (guitarra) trazem à tona seu primeiro disco cheio, chamado simplesmente Summer twins.

O álbum saiu pela Burger Records, e traz 10 faixas de puro pop ensolarado, com ar, cheiro, gosto e formato de Califórnia nos anos 60. Bem, elas são californianas, e segundo as próprias sua maior influência são os discos do pai. Tudo explicado.

Em Summer tiwns, o disco, há muito da sonoridade das girl groups, da inocência do rock dos 50′s (gomalina, chicletes, etc), um pouco de garage rock e também do indie dos anos 80/90. Falando assim, lembra alguém, não é?

Pois é, as gêmeas do verão realmente tem bastante em comum com Bethany Consentino e seu Best Coast, mas pode-se dizer que as irmãs de Riverside são menos chapadas e lo-fi.

Há traços em comum também com as Dum Dum Girls, com a fase feliz das Vivian Girls, enfim, são todas bandas com (ótimas) referências e influências comuns (quem disser Breeders ganha um doce).

O debute das Summer Twins foi todo gravado de maneira analógica, produzido por John Dust e Don Bolles, masterizado por Patrick Haight e dedicado por Chelsea e Justine a seus pais. Fofo, né?

Recomendado para ficar numa boa!

Um disco fino. Também, não pra menos, temos aqui reunidos um time de ponta pra fazer jazz de ouvir “em casa após o trabalho, com um copo de vinho ou uma xícara de chá”, como diria sir Paul McCartney em Kisses from the bottom, seu décimo quinto álbum solo.

O time em questão traz o produtor Tommy LiPuma ( que trabalhou com Miles Davis), a musa do jazz contemporâneo Diana Krall, além de Eric Clapton nas guitarras de “My valentine” e a gaita de Stevie Wonder em “Only our hearts”. Logo, fica fácil fazer jazz assim.

A diferença básica desse disco é o fato de ser um compilado de canções gravadas entre 1925 e 1937 por músicos como Fred Ahlert, Billy Hill e outros, que foram apresentadas a Macca e Lennon por suas mães. E olha que o Ringo já tinha feito isso em 70 com seu debut Sentimental journey.

O disco tem uma levada suave e muito agradável. Mas a primeira ouvidela soa estranha. Não foi muito rápida a assimilação da voz de Paul e a presença marcante de Diana Krall. Mas depois, acostuma-se ao clima bom da esfera auditiva e então é mais fácil mergulhar nas canções seguintes.

Lançado na segunda-feira (06/02/2012), ainda são poucos os recortes das canções: quase não se encontram faixas separadas ou vídeos para ‘ilustrar’ o texto. Opto então por deixar que Macca explique um pouco do processo de concepção de Kisses on…

Enquanto Ringo Starr faz um resgate mediano dos tempos alegres dos Fab Four, Paul McCartney quer mais é esquecer disso e resgatar suas outras memórias, muito mais particulares e clássicas.

E a quem possa interessar, o título do disco foi retirado de “I’m gonna sit right down and write myself a letter”, a primeira canção:

“(…)I’m gonna write words, oh, so sweet/
They’re gonna knock me off my feet/
Kisses on the bottom/
I’ll be glad I’ve got ‘em (…)”